Día: 12 de marzo de 2025

  • A Complete Unknown (James Mangold – 2024)

    A Complete Unknown (James Mangold – 2024)

    Ambientada en la influyente escena musical de Nueva York de principios de los años 60, A Complete Unknown cuenta la historia del meteórico ascenso del músico de Minnesota Bob Dylan, un cantante de folk de 19 años, hasta las salas de conciertos y lo más alto de las listas de éxitos. Las canciones y la mística de Dylan, de nombre Robert Allen Zimmerman, se convirtieron en un fenómeno mundial que culminó en 1965 con su transgresora actuación de rock eléctrico en el Newport Folk Festival.

    Mejor Actor en los Premios del Sindicato de Actores (SAG) 2024

    • IMDb Rating: 7,4
    • RottenTomatoes: 95%

    Películas / Subtítulos (Calidad 1080p)

     

    Timothée Chalamet es solo un chico del norte — de Hibbing, Minnesota, para ser exactos, aunque confíen en nosotros, no querrán quedarse atrapados en los hechos aquí — viajando en la parte trasera de una camioneta, haciendo autostop hasta la ciudad de Nueva York en busca de un héroe, un sueño, quizás un sofá en el que dormir, una colección de discos para absorber, una escena que dominar y un mundo que cambiar. Así es como conocemos a Robert Zimmerman, el futuro ícono bohemio de 1961. Se acerca a un bar en Greenwich Village y escucha de un hombre no identificado (que se parece y suena mucho a Dave Van Ronk) que la persona que busca no está en la ciudad. “Ve a un hospital en Nueva Jersey. Lo encontrarás allí”.

    Así que, con una gorra negra de pana estilo Huck Finn en la cabeza y una guitarra y un cuaderno en la mano, se dirige al Estado Jardín. El hombre al que ha venido a ver, Woody Guthrie, está efectivamente allí. Aún le quedan seis años de vida, pero no está bien. La otra persona en la habitación es el también trovador y agitador Pete Seeger. El extraño se presenta como Bob Dylan y les pregunta si puede tocarles una canción que escribió especialmente para el paciente enfermo en la cama. Desenfunda su guitarra. Y de repente, este muchacho balbuceante que está sentado ante ellos abre la boca y de ella sale Song to Woody, con toda su gloria rústica y de tributo. Los hombres mayores intercambian miradas. Acaban de vislumbrar el futuro.

    Es un momento genérico que podría haber sido extraído de un millón de películas biográficas genéricas sobre música. Pero hay una razón para destacar esta escena en A Complete Unknown, el drama de James Mangold sobre los primeros días de Dylan y su eventual ascensión a un mesías renuente y voz de una generación. La escena cumple una doble función. Al ver a este joven que pronto eclipsará a ambos en la imaginación pública y transformará la música popular varias veces, los veteranos del folk quedan inmediatamente impresionados. Y nosotros, como audiencia, observamos a Timothée Chalamet — ídolo de cabellera despeinada, estrella de concursos de parecidos a celebridades — rasguear los acordes y cantar esta canción formativa de Dylan, y sentimos cómo poco a poco también nos conquista. No es solo que el actor realmente esté tocando la canción o que sea capaz de alcanzar las notas temblorosas lo suficientemente bien como para hacer una versión más que decente. Es que se puede ver que está accediendo a algo más profundo que una simple imitación de alguien que ha tenido su cuota de imitadores, literales y de otro tipo. Chalamet no se convierte en Bob Dylan. Está elaborando cuidadosamente una interpretación que evoca a Dylan, al tiempo que canaliza algo salvaje y mercurial en el aire. La escena hace que queramos ver a dónde nos llevará.

    Y el lugar al que Chalamet lleva su interpretación del bardo de It Ain’t Me Babe marca toda la diferencia. Hay muchas razones para odiar de inmediato la idea de una película biográfica “convencional” sobre Dylan (léase: no algo conceptual y experimental) y la idea de elegir a una estrella de cine que carga con su propio equipaje mediático a pesar de tener menos de 30 años. A Complete Unknown va derribando esas reservas poco a poco, hasta que te encuentras inclinándote cada vez que Chalamet suelta una de las mordaces frases de Bob o hace justicia a una de las muchas canciones que Dylan escribió durante aquellos fértiles años entre 1961 y 1965.

    La comparación más cercana a su interpretación no es Joaquin Phoenix en Walk the Line, la película de Mangold sobre Johnny Cash, ni el Freddie Mercury de dientes postizos de Rami Malek en Bohemian Rhapsody. Es Philip Seymour Hoffman en Capote, otra interpretación de una omnipresencia cultural famosa y fácilmente imitable que comienza con gestos manieristas (oh, así que vamos a hacer la voz y los gestos afectados, ¿eh?), pero que rápidamente te hipnotiza y te hace olvidar que estás viendo a un actor famoso.

    Por supuesto, hay mucho material en esta película que podría hacer que los fanáticos de Dylan pongan los ojos en blanco hasta quedarse ciegos. Al igual que su sujeto, A Complete Unknown juega rápido y libremente con la verdad cuando le conviene. Basado en un guion que supuestamente fue anotado al pie de página e incluso manipulado pícaramente por el propio Dylan, Mangold comprime eventos y líneas de tiempo, mezcla y combina presentaciones musicales y momentos históricos clave (una fusión en particular provocará mucho rechinar de dientes) y trata lo apócrifo como evangelio. La vibra de “imprime la leyenda” es fuerte en esta película.

    Aun así, Chalamet parece comprender tanto el carisma desbordante y el don divino para la composición de Dylan, que le permitieron ejercer un influjo sobre todos a su alrededor, como la máscara de enigma y la indiferencia hipster que mantenían a la gente a distancia. Y los equilibra en grandes cantidades. También es lo suficientemente inteligente como para moderar estos elementos lo justo para que no caigan en la caricatura, lo cual es aún más impresionante una vez que el Dylan posterior a la fama entra en su fase arisca de “uso gafas de sol por la noche”. (Uno se pregunta cuánto de la propia experiencia de Chalamet con la fama abrumadora se filtra en la actuación).

    Además, el actor sabe exactamente cómo interactuar con el elenco de reparto que orbita alrededor de su Bob. Elle Fanning es Sylvie Russo, una musa que politiza a Dylan en un momento clave; el nombre puede ser distinto, pero una Suze (Rotolo) con otro nombre huele igual de dulce, y Fanning le da vida a una mujer que a menudo ha sido relegada a un simple pie de página en la historia de Bob. Edward Norton es un Pete Seeger en partes iguales ángel frágil y demonio en su hombro, apoyando a Bob y rogándole que no se electrifique a expensas de “la causa”. Boyd Holbrook interpreta a Johnny Cash como un puro demonio — imagina la famosa foto de Jim Marshall en la que Cash alza el dedo medio, pero en movimiento. Monica Barbaro da vida a una Joan Baez que se derrite ante este chico malhumorado pero que no duda en llamarlo farsante.

    La primera mitad de A Complete Unknown es más libre, con su energía de casa de los espejos retro y la clásica historia de una estrella en ascenso. Pero cuando llega el cartel de 1965, la película empieza a marcar casillas: la grabación de Highway 61 Revisited, la gira con Baez, la controversia de Newport ’65… Mangold filma la motocicleta Triumph de Dylan como si fuera un presagio oscuro imposible de ignorar.

    Sabemos cómo termina: una declaración de independencia, una despedida a Baby Blue, y un fatídico paseo hacia el atardecer. Y, gracias a Dios (o a Bob, que para el caso es lo mismo), Chalamet nos mantiene enganchados. La película es tanto un tributo a la capacidad del actor para modular los gestos y la voz de Dylan como lo es a la leyenda misma.

    No es tan revolucionario como el redoble de tambor que abre Like a Rolling Stone. Pero sigue sintiéndose casi electrizante. (David Fear – es.RollingStone.com)

  • Masques (Claude Chabrol – 1987)

    Masques (Claude Chabrol – 1987)

    En Masques Roland Wolf quiere escribir un libro sobre Christian Legagneur, un presentador de un concurso de televisión, quien invita a Wolf a su casa con la promesa de concederle una entrevista de varios días. Sobre la marcha, Wolf descubre ciertos hechos relacionados con una amiga de la hija de Legagneur y, a medida que avanza la entrevista, el escritor empieza a desenmascarar al presentador.

    • IMDb Rating: 6,8
    • RottenTomatoes: 67%

    Películas / Subtítulos (Calidad 1080p)

     

    El autor de la Nueva Ola Francesa, Claude Chabrol, tuvo una carrera larga y variada, con un singular sentido de la distancia en sus thrillers, que lo distinguía de sus contemporáneos más artísticos y experimentales. Masques, película de 1987 marca un regreso a su género predilecto, con un guiño más que pasajero a la influencia temprana de Alfred Hitchcock.

    El novelista policiaco Roland Wolf (Robin Renucci) se ofrece a escribir una biografía del popular presentador de televisión Christian Legagneur (Philippe Noiret) y es invitado a su mansión campestre para realizar las entrevistas. Allí, Wolf conoce al curioso grupo que trabaja para Legagneur: el chófer y chef mudo Max (Pierre-François Dumeniaud), el enólogo Manu (Roger Dumas) y su esposa masajista (Bernadette Lafont), la secretaria y criada Colette (Monique Chaumette) y la ahijada de Legagneur, Catherine (Anne Brochet).

    Catherine, una chica enfermiza y de piel pálida que se esconde tras unas gafas oscuras, pasa la mayor parte del tiempo durmiendo debido a una misteriosa dolencia que Legagneur atribuye a médicos incompetentes. Pero cuando visita a Wolf en su habitación, perfectamente sana, y se le arroja encima, Wolf sospecha que algo ocurre y decide investigar, descubriendo una trama secreta que no solo contradice la imagen pública de Legagneur, sino que lo lleva a un peligroso juego del gato y el ratón.

    Supuestamente una comedia, Masques funciona mucho mejor como un thriller puro, pero dado que los supuestos chistes son prácticamente invisibles, al menos para quien escribe, describirla como un thriller me parece bastante acertado. Solo el desenlace tiene ese efecto de morderse las uñas y estremecerse de «no debería reírme, pero ¡ay!». De lo contrario, el humor es probablemente demasiado sutil para mí.

    Masques presenta una historia de ritmo lento y, debido a la comedia indirecta, se siente más surrealista que divertida. Sin embargo, una vez que empieza a tomar ritmo y se desvela el misterio, comprendemos que hay una sátira astuta en juego. Esto se revela principalmente en las entrevistas de Legagneur, en las que su personalidad sociable y sus bromas afables se disuelven lentamente bajo el peso del nefasto plan que parece estar ejecutando con Catherine. Cada vez que la chica muestra signos de recuperación o muestra el más mínimo esfuerzo, el humor de Legagneur cambia de agradable a agresivo, pero con cierta preocupación.

    Luego está la misteriosa Madeleine, una chica que Catherine contrató para ser amiga, pero que la abandonó repentinamente a los tres meses para convertirse en actriz. Pero Wolf no está convencido de que la historia sea tan simple, sobre todo cuando mencionar su nombre genera diversas reacciones, desde recuerdos cariñosos hasta un rechazo violento, este último por parte de Catherine, quien supuestamente veneraba a Madeleine. La ausencia de Legagneur por un viaje de negocios le permite a Wolf curiosear, pero lo que descubre requiere respuestas que nadie está dispuesto a dar.

    El desarrollo de la trama, con la oportuna información pertinente y la inminente revelación de la verdad, justifica comparaciones con Hitchcock, pero solo como una influencia conspicua y no como un modelo a seguir. A estas alturas de su carrera, Chabrol era demasiado astuto como para ser tan deliberadamente explícito en un homenaje así, así que corresponde a los cinéfilos más perspicaces detectarlo por sí mismos. Sin embargo, Masques sigue siendo claramente una película de Chabrol, por lo que cualquier influencia notable se infunde en el estilo de la película y no se le impone con excesiva intensidad.

    La historia en sí es una forma familiar pero práctica de explorar los temas a los que alude el título: lo que se esconde tras la máscara de una persona pública. En este caso, Chabrol nos advierte que la personalidad exuberante y generosa que vemos en la televisión cada semana es, de hecho, el disfraz de un hombre astuto y pernicioso, capaz de manipular y engañar de forma astuta, turbia y destructiva a una joven pobre. Esta fachada de bondad no es solo para el público; Catherine está igualmente, y aún más importante, convencida por ella: una influencia que Wolf debe intentar romper antes de que el escandaloso plan de Legagneur se haga realidad.

    En la tradición del gran thriller de misterio, Chabrol mantiene la mayoría de las cartas cerca de su pecho, dejándolas caer cuando es necesario y luego jugando su triunfo cuando menos lo esperamos, arrojando una luz completamente diferente sobre los procedimientos, lo que explica por qué el título es plural. El acto final es un torbellino de actividad como debería ser, pero los cabos sueltos no se atan de repente en la forma típica del acto final, con Chabrol dejando suficiente para la escena de cierre, que es una deliciosa porción de patetismo y tragicomedia con una última línea maravillosamente oscura que podría ser el último deseo cumplido para muchas personalidades de la televisión.

    Aunque sus películas puedan tener éxito o fracasos con el público, un aspecto donde Chabrol parece tener un sexto sentido es en el reparto. A riesgo de exagerar, es difícil imaginar a alguien más que aporte la calidez paternal de la personalidad pública de Legagneur y el demonio oscuro, histriónico y abusivo de su yo fuera de la pantalla como Philippe Noiret. Su físico corpulento, su voz potente y su prominente y cuidado bigote lo convierten en un arquetipo para ambos papeles. La alegría de su interpretación reside en dejar caer sutilmente indicios de su personalidad más oscura, manteniendo firmemente la apariencia de su encanto, y cuando finalmente sale a la luz, explota como una bomba, como debe ser.

    El otro mérito actoral que merece la pena es para Anne Brochet en su debut cinematográfico. Desde el primer vistazo a Catherine, con gafas de sol, merodeando a mitad de camino mientras Wolf llega, vemos que es un personaje enigmático, y la esbelta figura de Brochet realza esta sensación. Sometida a mucha sedación, la personalidad de Catherine es en su mayoría cambiante, pero siempre simpática, y Brochet lo logra sin excesos, con estudiados matices físicos.

    En cuanto a la dirección, Chabrol no fue especialmente ambicioso en Masques, pero aun así su trabajo despertó vitalidad y el guion es rico en diálogos ágiles y la clásica distracción argumental. Las sólidas actuaciones y la sátira mordaz, aunque no obvia, compensan el aspecto visual algo anticuado y el vestuario recargado. (Mibih.wordpress.com)

  • Kiss me Stupid (Billy Wilder – 1964)

    Kiss me Stupid (Billy Wilder – 1964)

    En Kiss me Stupid un famoso cantante, conocido por su reputación de conquistador empedernido, llega con su lujoso coche a un tranquilo pueblecito llamado Clímax. Allí viven dos amigos: un fracasado profesor de piano, casado con una bella mujer, y el encargado de la gasolinera. Cuando reconocen al cantante, conciben la esperanza de que pueda ofrecerles una oportunidad para entrar en el mundo de la música.

    • IMDb Rating: 6,9
    • RottenTomatoes: 73%

    Película / Subtítulos (Calidad 1080p)

     

    Seguimos con las películas impopulares del bueno de Billy Wilder. Esta vez la crítica le vapuleó con una de sus comedias, Kiss me Stupid. Fue considerada como obscena y de mal gusto. En España, la censura cortó una de las escenas en las que era más que evidente la infidelidad de la amada esposa del protagonista.

    Corren los años sesenta y Wilder se adelanta, en una ácida comedia, a la revolución que está a punto de eclosionar y cambiar mentalidades. Cuestiona temas fundamentales que pronto se verán en el cine sin tantos problemas. La doble moral, la institución del matrimonio, las relaciones sexuales, la prostitución…, y también es un sentido homenaje hacia un tipo de música que ya iba desapareciendo para dar paso a otros estilos musicales, a otra generación de cantantes.

    Como siempre Wilder no era políticamente correcto y dejaba otra galería de personajes inolvidables y sentidamente humanos. La prostituta Polly, La Bomba (explosiva Kim Novak), la amada esposa o “costillita” (bella y sensual Felicia Farr), el marido patológicamente celoso (uno de los grandes secundarios de los 50 y 60, Ray Walston, que sustituyo de manera brillante al inicialmente protagonista Peter Sellers que por sus problemas de salud no pudo actuar), el amigo gasolinero con ansia de fama (Cliff Osmond), el cantante, juerguista y ya decadente y pasado de moda, Dino (en una autoparodia de sí mismo, Dean Martin)… son los protagonistas de otra ingeniosa comedia de la vida del genio cínico.

    Y, sí, volviéndola a ver, afirmo que Kiss me Stupid es una buena comedia, llena de momentos brillantes. La obscenidad y mal gusto que se vio en el momento está totalmente superado de tal modo que hoy la película resulta tierna. Otro de los motivos de su fracaso puede ser que en el reparto no había ni una cara de los actores de comedia con los que solía trabajar el maestro (Lemmon, Matthau, McLaine, la Monroe…).

    El enredo planteado es absolutamente genial. Orville, el marido celoso y fracasado maestro de piano, y su amigo, que trabaja en la gasolinera de la localidad, idean un plan para retener a un cantante de fama que pasa por casualidad por su retirado pueblo porque creen que pueden venderle una de sus canciones –la verdadera pasión de ambos– y que les lleve a la fama. El cantante famoso es un mujeriego y juerguista, un hombre egocéntrico y egoísta que entrará inconscientemente en el juego que planean los dos amigos con tal de acostarse con la sensual esposa de Orville, a la que intuye todo un monumento. Orville, sin embargo, es un celoso patológico que siempre imagina infidelidades imaginarias con cada uno de los hombres con los que se relaciona su mujercita (su alumno de 14 años, el dentista de su esposa, el lechero…) y por nada del mundo quiere que Dino, el cantante, conozca y seduzca a su mujer. Por eso, su amigo sugiere que se enfade con su esposa por una noche para que ésta se vaya del hogar y por una noche sea sustituida por la prostituta más popular de la localidad, Polly. Orville acepta el plan. La comedia y las risas están servidas.

    El intercambio de papeles es uno de los mejores gags y el que sustenta todo el significado de Kiss me Stupid. La encantadora Polly, con ansias de ser mujer respetada y querida con esposo fiel, y “costillita”, la esposa modelo que por una noche se salta las normas de matrimonio fiel, que se convierte en Polly sin comerlo ni beberlo para un Dino que no se entera de nada y esto sin dejar de amar ni un solo momento a su celoso esposo. Una canita al aire, vamos.

    Como toda comedia de Wilder (guionista también junto al segundo colaborador de su carrera L.A. Diamond) contiene momentos inolvidables y divertidos: el único camarero que no ríe ante las gracias de Dino, los jerseys del profesor de música con las caras de todos los grandes compositores de la historia, la cena surrealista entre Orville, Dino y Polly; las agresiones irracionales del marido celoso a todos los imaginarios pretendientes de su casta esposa, las otras prostitutas del local donde trabaja Polly, el loro de la prostituta que se entretiene frente al televisor, los intentos de Orville por enfadarse con su esposa –genial el intento del pomelo emulando una de las escenas más famosas de Enemigo público–, los guiños a la música de Dino, Sinatra, Streisand, Crosby y los grandes compositores como Cole Porte y compañía que ilustran una etapa de la canción americana que ya en aquellos momentos iba a ser sustituida por otras músicas y ritmos…

    Kiss me Stupid permanece oculta ante tanta comedia brillante de Wilder. Merece ser revisitada y descubrir todos sus encantos, cinismos, picardías y destapar la caja de risas con mucho sentido. (ElBlogDeHildyJohnson.es)